Archive for the ‘Cosas que me gustan//Things that I like’ Category

La nuit américaine

July 25th, 2012

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The present

July 7th, 2012

Anotaciones a partir de “The present”, de Lola Rubio, Arantxa Martínez.
Lambroa. ARTIUM Vitoria, Julio 2012.

Hay unas manos de cangrejo escalando una sudadera, una mujer con esteatopigia que se sale encarnada en un pliegue rosa y un hombre sentado. Pero el silencio continúa: es una presencia más.

Los objetos sujetan firmemente a los cuerpos. Hay un palo que se mueve entre el cuerpo-Arantxa y el cuerpo-Eduard, ellos ondean a los lados del palo, esa línea de madera los mueve y los conecta. Los cuerpos se acostumbran y dudamos de su utilidad. Los cuerpos son entonces, líneas entre estos objetos: entre las pelotas de tenis y una tacita de juguete hay un vector Lola; entre la mesa y un altavoz está el vector Eduard. Son más piernas que nunca.

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Lola y Arantxa en la charla de después.

Un sonido multiplicado: las guitarras y los bolsillos cantan con voz de negra; se escupen pedazos de llaves y los platos se arrastran por el suelo, las guitarras se arrastran por el suelo. Hay un momento en que la domadora se disfraza de cheerleader y el niño barbudo la sigue. Pero no hay dulzura. La frialdad se vuelve un poco clown. Bailan quietos. Las cosas se frotan contra sí mismas para sonar y hay un flujo continuado de amaneceres y espacios y de pronto, el matrimonio Arnolfini tiene los ojos brillantes y hace equilibrios sobre un palo.

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Eduard coincide en el cuaderno con una señora desnuda del aeropuerto de Bilbao.

Buceamos en capuchas y se nos olvida la necesidad del rostro. Es necesario que dejen de ser. El cuerpo no es mucho más: una sucesión de prendas, un movimiento entre objeto y objeto, una exploración del espacio que los contiene, se definen los huecos entre cadera y codo, hombro y rodilla, pelo y dedo.

Lo escueto de un triángulo.

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Bello público.


Pimiento Reloaded

February 27th, 2012

Busco “reinterpretación” en el diccionario de castellano y no lo encuentro so, I look for “Reinterpretation” at the english dictionary and I find:

1. A new or different meaning (interpretation, reading, version – a mental representation of the meaning or significance of something).
2. Reinterpretation – a new or different interpretation. The act of interpreting something as expressed in an artistic performance; “her reinterpretation of Milton’s verse was extraordinarily moving”

So, the first day of class, my second course students have made a reinterpretation of my piece: Pepper.

Music was played in an impossible you tube video and they were all eating a pepper and enjoying…
This is the picture, soon: the video.

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Students eating pepper.

The second round is by far, better than the original
Thanks a lot!!


ARA Juan Soros.

February 23rd, 2012

ARA es un libro que esconde huecos tras las medidas y que como cada medida es sólo la coartada de un agujero.

Y es que sólo en la exactitud logramos en consuelo.
Llámese gramática o matemática.

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El libro junto al animalillo de Pedro Núñez.

La piedra filosofal era de papel y sus contornos: aristas que forman paralelas y perpendiculares del sentido, el pliegue es siempre cicatriz y la poesía –dicen los poetas– no es para ser leída.

Quemamos el poema como en la noche de San Juan y florecen huecos entre los dientes, las faldas se ríen del frío y Edmundo es más niño que nunca: se disfraza de Juan Cixous y el discurso se desarticula como si fuera aliento y golpea igual. La cabeza se le ha vuelto hace días paralelepípedo impropio, se le adivina la sonrisa por detrás, alguna cara habla francés y la mayoría no habla en público. Los vértices prefieren mantenerse en el anonimato.

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Mi mano inocente y pirómana.

En la cueva de Platón, sube entre las piernas una posibilidad, nos acercamos al calor y los hombres arrastran sus pollas por debajo de los pantalones y hacen triángulos en lugar de palabras. Sospechamos que mean en parábolas e hipérbolas.

Pero las palabras persisten, las cerillas no prenden y entonces sé: que nunca tuve alma de pirómana, que el libro es siempre un exorcismo y una oda y que el mundo sigue.

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Contemplando el fuego purificador.

Fotos de la presentación de ARA by Rut Volando.


“The Wolf Knife” by Laurel Nakadate.

January 7th, 2012

When I was fifteen, my best friend was called Patricia. Patricia was blonde and skinny and I was in love with her.
I guess she was somehow, also in love with me. We dress the same, we could laugh for hours about nothing, we kiss, we touch and straight away we were talking about guys. We were always together, and we mainly liked talk about nothing, do nothing and think about how beautiful will future be and all that freedom that was waiting for us.

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Still from Laurel Nakadate’s film.

That summer, we went with Patricia’s mother and her girlfriend to one awful place in the mediterranean coast. They left us for a couple of weeks with some money and the daughter of the mother’s girlfriend how was eighteen and likes heavy music. The daughter disappears somewhere with someone the first night, and on those two weeks, we walked everyday to the next “big” city or we did auto-stop to arrive there just in order to have fun, to go to clubs, cheat with our age, sleep with guys together, try drugs, and feel how was freedom like. Children from the village wrote on the door of the house where we were living: WHORES with white chalk and we leave it.

Yesterday I went to see the last film by Laurel Nakadate and I strongly remember my friend.

Wikipedia says about the artist:
“Laurel Nakadate is known for powerful video and photographic works in which the artist, her subjects, and the viewer are entangled in an unsettling dance of seduction, power, trust, tenderness, loss and betrayal. The darkly hallucinatory discomfort of fever dreams permeates her newest videos and photographs.”

In this film we follow for one hour and a half, two teenagers. Is summer, there is time for nothing, they slip in swimming pools and walk around the city: eating ice creams and escaping home. They are bored and beautiful as every teenager.

Photography is raw and powerful, there is a sense of an uncanny feeling throughout the film… hard sun, sweet, kitsch sets at mums place and motels, sexuality soaks every frame. You have a weird sense of being a voyeur, of doing something dirty just by the very fact of looking.

Amazing interpretation of these two young ladies and a simple, clear, not pretentious plot following them in their weird runaway is more than enough to get you there.

Thelma and Louis are sixteen and they are not going to jump in the void.

trailer:
http://www.imdb.com/video/screenplay/vi2775030041/


Melancholia.

December 18th, 2011

El planeta Melancholia está a punto de estrellarse contra la Tierra. Justine, evocación rubia de los infortunios de la riqueza, hace tiempo que fue abducida por el planeta. Vive allí. La suya es una celebración lenta de la tristeza sin sentido, de la desolación del “no future” adornado de hípica y botas Hunter. Justine es la perfecta deprimida, incapaz de ver al otro, egocéntrica y egoísta. Una encarnación del sujeto postmoderno. Tan vacía como absurda y deliciosamente inútil.

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Su hermana Claire, es la otra cara de la misma moneda. Si Justine ha salido de una película de Tarkovski, Claire es un peronaje de Dreyer, o tal vez uno de los primeros personajes de Lars Von Trier en la nausea de la abnegación, pero sin sucumbir del todo a ella. La Emily Watson de “Breaking the waves”, pero sin el componente masoquista sino más bien una madre frígida.

La abnegación de Claire empieza a deshacerse en el momento en que la muerte se acerca. Me gusta especialmente el personaje de Claire: la cuidadora, la madre. Alguien que coge el teléfono y te dice como entrar en un taxi, alguien que siempre va a estar y te organizará la boda, y soportará estoica tus desprecios y los de tu madre… que se aburre junto a su marido astrónomo, que sueña con su propia normalidad…. y que cuida a su hijo y le observa cuidadosa, pero en el momento en que la muerte se acerca inexorable, cogerá al hijo y no será capaz de protegerle del granizo.

Algo se ha roto en Claire cuando su marido la abandona y se adelanta a tomar las píldoras que ella misma había preparado para suicidarse y abandonarle a él y a su hijo… la desesperación de Claire, nace de la imposibilidad de no poder hacer nada. Allí donde Justine se calma, Claire se descompone. Claire es el personaje maníaco, el que necesita hacer para clamarse. Y Justine es la mujer que acaba de traspasar la línea de la neurosis, y contempla el planeta azul, y se entrega lúbrica a su luz (escena La Chapelle del film), precisamente porque resulta reconfortante encontrar a los demás en el mismo infierno donde tú habitas. Ya nadie le dice a Justine que sonría, y entonces es el momento en el que Justine está más entera, el momento en el que Justine, se puede permitir jugar, construir una casa de ramas que les protegerá contra la muerte.

Siempre me producen las películas de Lars Von Trier, una cierta desconfianza, que en Melancholia se traduce en la estética glitter de 3D y en el melodrama un poco cargado de tintas, en los fallos argumentales como ese marido que no sabe con quien se casa hasta el día de su boda, esa empleada del mes que Justine es incapaz de ser o la molesta galería de personajes masculinos que sólo aparecen, -como bailarines de neoclásico- para sujetar a las “prima dona” de esta danza de la muerte.

Pero las dudas se dejan aparcadas cuando el cuadro de Millet de Ofelia licuada, deshecha, un poco vegetal… ocupa la pantalla o con el inicio con “Los cazadores en la nieve” que me lleva de Melancholia a Solaris, esos dos planteas en órbitas tan diferentes.. y me lleva también a Sacrificio y el fin del mundo está tan cerca que habría que empezar a quemar las casas y follar con las brujas, a bucear en el escote de Kirsten buscando la luz.


Habitación Propia

September 24th, 2011

“Las habitaciones difieren radicalmente: son tranquilas o tempestuosas; dan al mar o, al contrario, a un patio de cárcel; en ellas hay la colada colgada o palpitan los ópalos y las sedas; son duras como pelo de caballo o suaves como una pluma …”

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Siempre hemos compartido habitación, a veces éramos más de dos, pero casi siempre ella y yo, cada una en su franja: yo en una infancia borrosa y ella en una adolescencia poética, oscura y convulsa aunque siempre nos dimos la mano en el margen. Chimi tiene los horizontes tan grandes como los ojos; un puñado de dudas, siempre nuevas; el cuerpo más aire que tierra… a ratos deshecho pero siempre tendido, a la escucha… y esa capacidad para emocionarse y sorprenderse que se pierde con los años intacta y arropada por una mirada sensible y profundamente personal.

No sé si lo sabe, pero yo le debo: la lectura, la mirada, cierta comprensión del mundo que intuyo y se me escapa, la mano al dormir, las conversaciones al anochecer, el futuro, el viaje, la inquietud y la calma cuando aparece.

Su blog se llama “Habitación propia” hay fragmentos de su escritura, canciones y comentarios sobre las escrituras de otros…
lo puedes encontrar haciendo click aquí:
http://pepitasdeoropuro.blogspot.com/


Katrin Memmer Blog

September 1st, 2011

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What do you see when I am on top of you? from Katrin Memmer.

There was an afternoon after another afternoon, working in a simple bed… quite dark but fresh…
Katrin was wondering… How to organized breath and thoughts? Those things that got the nature of the moment? How to communicate skin, touch, words, time..? How to organize images, feelings, memories? It was hot, thinking is a matter of latitude then…

Let us go with the movement of the sand… sand like gold… precious, rare… just like her work. Sensitive, free, fragile and brave. To play with.
Body, presence, the audience as a path… a way to… Theres is a thread.. and then another… a landscape made out of delicacy and attention, the option of the silence.. the ability of listening, that extreme elegance and depth, all contained in this blog. All embroided like in one of her stitching works, in harmony and constant war…

You can visit at Katrin’s blog.


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Reseña de Pieles chez Juan Soros.

July 11th, 2011

Bella Reseña de Soros, gracias Juan.
También aquí: www.submergentes.org/Sobre-Pieles-de-Cecilia-Molano

Sobre Pieles de Cecilia Molano
Exposición en la galería y librería Panta Rhei, c/ Hernán Cortés 7. Madrid.

Lo que, de una escritura y propiamente de ella, no es para leer, ahí está lo que es un cuerpo.
Corpus
Jean-Luc Nancy
 
La degradación de la idea de autorretrato, de individuo, de lo humano, como exceso de la figuración, parece afirmar la apuesta por lo abstracto de cierta modernidad del siglo pasado. Sin embargo, Pieles de Cecilia Molano hibrida esta antítesis convencional y la lleva a una situación inestable, de riesgo, que problematiza tanto sus presupuestos conceptúales como nuestras maneras de leer el cuerpo y la imagen.
El registro aparece como grafito y pintura blanca sobre papel, es decir, objetos de arte que caben en la materialidad convencional que se puede mostrar en una galería, vender, apreciar estéticamente, etc. La instalación es sutil, mediante agujas clavadas en la pared. El tamaño de cada hoja es pequeño para este tipo de trabajo, cercano al tamaño en octavo de un folio de cuaderno o libro. Sin embargo pensamos en registro y no en obra acabada, en proceso más que en una serie acotada. De hecho en la galería se informa que los trabajos comprados se pueden retirar inmediatamente ya que son reemplazados por otros. El número es indeterminado. A diferencia de una práctica común en grabado, no hay una plancha que sea destruida después de realizar una edición limitada. En estos trabajos es el cuerpo lo que se pone en juego. El cuerpo es lo que sirve para imprimirse sobre el papel. Esto lo cambia todo.

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El autorretrato convencional, incluso lo que Anna María Guasch ha llamado las “Autobiografías visuales” en arte contemporáneo, entran en la lógica de la reflexividad. Se sale del cuerpo para volver a mirarlo o decirlo, de una manera extrañada. Opera lo unheimlich, ese extrañamiento de lo más cotidiano, el propio cuerpo. Cotidie morior dice San Pablo. Muero cada día. Por eso intento dejar una huella de esa ausencia. En este sentido, de los artistas tratados por Guasch, quizás la obra de Molano se relacione mejor con On Kawara en cuanto evita la figuración y se vincula, de alguna manera, por contacto, con un solo eje dimensional. Así como los telegramas de Kawara van a la esencia de nuestra relación con el tiempo, dicen simplemente I am still alive signando fecha y hora, las impresiones de Molano son, en principio, simple huella de su propia materialidad. De ese afuera que es el cuerpo para uno mismo, según Nancy. Por el contrario, en fotografía, la forma más privilegiada en el estudio de Guasch, se opera a través del negativo, de una impresión de luz reflejada en la masa del cuerpo. Este procedimiento es llevado por Molano a un límite que rompe con su propia lógica de consumo. La fotografía, en su perspectiva enuncia una distancia. Al mismo tiempo su positivado es fácilmente repetible a pesar de las variaciones posibles en el laboratorio. En el caso de Molano, la huella mediada por la luz es llevada a su extremo radical. La ausencia de luz, el contacto, in-mediato. Es ahí donde aparece la idea de lo abstracto. Pero es un problema de escala. Los grafismos de Cecilia Molano se realizan en el encuentro entre el cuerpo y el papel, en el límite, la aporía. A ciegas. No hay una operación de mediación entre el ojo y la mano o el instrumento elegido y no se evita la representación. Simplemente cambia el procedimiento. Se hace directo, por contacto. En su libro El parecido por contacto (La ressemblance par contact), Georges Didi-Huberman traza una historia sinóptica de la huella dedicando un capítulo a las Formas deseadas: la huella como escándalo. El escándalo del que habla el autor es el de una escultura en mármol realizada a partir de moldes tomados de una modelo. Lo que da un nuevo significado al topos de la apariencia viva de la piedra. El escándalo no es la exposición del desnudo sino su adherencia al cuerpo original. Su haber sido moldeado, amasado, palpado sensualmente. Esto nos lleva a dos formas de contacto presentes en los grafismos de Molano, el rasguño y la caricia. La palabra escándalo es un calco directo del griego y su significado propio era ‘trampa u obstáculo para hacer caer’. Quizás Molano nos propone estas abstracciones como trampas para velar la adherencia al cuerpo expuesto y su materialidad.
No reconocemos el cuerpo en pedazos, por usar la expresión de Linda Nochlin (The body in pieces), y parece abstracto. Nochlin abre su ensayo citando un dibujo de Henry Fuseli donde un artista está abrumado por la grandeza de dos fragmentos ciclópeos de una mano y un pie, partes de una escultura antigua, quizás de algún emperador. Por supuesto, es figurativo pero lo que destaca Nochlin es que el artista se ciega a sí mismo con una mano y posa la otra sobre un fragmento. “El tacto es el sentido en cuestión aquí, sugerido tanto por el gesto como por las cualidades formales del dibujo mismo.” dice Nochlin. El artista realiza el duelo, propio de la modernidad, por cierto paraíso perdido de la totalidad. Molano sigue usando el tacto pero su gesto es ambiguo. No es simplemente el tacto que no desea separase del enlutado, ni la caricia del cuerpo deseado. Hay una tensión ahí. El cuerpo está ahí. La piel, lo más profundo según Valery, como nos recuerda Molano. Así, no hay nada de abstracto en sus grafismos. Son matéricos. Sucios. Refinados. “El refinamiento es frío y algo sucio” dice Tanizaki en su Elogio de la sombra. Lo que nos lleva a otra forma de percepción y otra forma de lectura, oriental. El tokonoma que trata Tanizaki en su ensayo y que es el objeto (ausente) del célebre último poema de Lezama Lima, El pabellón del vacío. El espacio de la galería, cubierto de las pieles de Molano recuerda ese lugar cóncavo. Si recordamos el texto de Lezama incluso coincide el procedimiento: “De pronto, recuerdo, / con las uñas voy abriendo / el tokonoma en la pared”.
Tanto la idea del molde como la del tokonoma refieren al volumen más que al plano. Si en principio vemos “obra gráfica” sobre papel –dibujos, para entendernos– rápidamente su procedimiento nos lleva a otro lugar. Por una parte, recuerdan los pequeños planos pintados que componen el volumen del cubismo analítico, por ejemplo, en el retrato de Amboise Vollard por Picasso, pero no representados y amontonados sobre una tela sino diseminados sobre la pared en un orden aleatorio. Por otra, la lectura oriental.
En su estudio El desnudo imposible (Le nu impossible), François Jullien, filósofo y sinólogo, repara en que la pintura china, a diferencia de la tradición occidental, está más dispuesta a representar cumbres vistas entre nubes o tallos de bambú que cuerpos desnudos, el mundo accediendo a la forma o regresando a su fondo indiferenciado, no la forma detenida. “Ella nos hace remontar a la raíz de lo visible para encontrar lo invisible”. Evita convertir la imagen en estatua. Las impresiones sobre papel de Molano son dinámicas, no conservan la imagen de un “modelo” escultórico. El presunto abstracto es el invisible del cuerpo. Tanto el rasguño como la caricia son movimientos y los grafismos huella de ellos. Pero la ruptura con la traducción dimensional de la representación, del volumen al plano, es total. Los papeles siguen siendo moldes ciegos, no modelados “del natural”. Molano pervierte la lectura convencional (eurocéntrica) del trazo sobre papel en su gesto oriental. Y, sin embargo, mediante el molde, forma un volumen, vacío. Entra, al pervertir el medio, en lo que Rosalind Krauss ha llamado, en un célebre ensayo, “La escultura en el campo expandido”. No pretendemos entrar en el juego de las categorías. Por el contrario, quizás, abrir líneas de fuga para la lectura de estas pieles.
En el texto de Didi-Huberman se cita extensamente la crítica de Théophile Gautier sobre la obra en cuestión, que comienza diciendo que la escultura es “la más real y la más abstracta de todas las artes” en cuanto en el mármol se debe cincelar “el sueño de amor y de belleza” del artista. Obviando el evidente componente romántico, el encuentro en el campo expandido de la materia y el concepto permiten sostener la aseveración inicial de Gautier y comprender, de otra manera, la tensión entre representación y abstracción que plantea esta serie de grafismos. Este procedimiento problematiza nuestras formas de recepción y resiste a una lectura al uso. Molano se deja la piel en el papel. Usa su cuerpo como buril o prensa, lo duro o lo blando. Como positivo de una serie de moldes, en definitiva.
Estas monocopias pueden recordar los trabajos de Yves Klein pero van más allá. Klein se apropia de los cuerpos de sus modelos como herramienta. Molano se despersonaliza a si misma y, al mismo tiempo, se juega la vida, el cuerpo, en el contacto. Klein siempre preserva una escala que mantenga el pacto figurativo con el espectador. Sus modelos impresas en azul, reconocemos la silueta, recuerdan diosas blancas arcaicas. Molano no transige en esto, de ahí la apariencia abstracta. Pero subyace una erótica, perversa, del contacto. Al tocar el papel tocamos su piel. Es una forma sutil de erotismo, como suelen ser los trabajos de la artista. Y, por supuesto, una forma de hablar de la tumba. Cada impresión de su cuerpo deja una huella. Concavidad. Cenotafio de un cuerpo, el suyo, ausente.
Se usan dos medios de registro del gesto. El gesto en el arte, el arte gestual, inmediato, de dejarse la piel. Pieles de serpiente. El animal que comió la flor de la inmortalidad. Contra la muerte. Quizás. Pintura y grafito. La pintura para lo blando, para la carne. El grafito para lo duro, el hueso, la uña. El abandono de la herramienta y el cuerpo como herramienta. Estado inestable donde convive lo duro y lo blando. Y la repetición o serie abierta. Leer las pieles de Cecilia Molano. “Se parecen en todo a mí, pero no son míos.” dice la artista de sus grafismos en el texto que acompaña a la exposición. Expuestas en las paredes de una galería, fijadas a la pared con alfileres como insectos atrapados. Vida detenida y en proceso de muerte. Leer las huellas de la piel, las cicatrices. La mirada de conjunto lleva a la mirada individual, las hojas, en octavo, nos llevan al diario. El conjunto expuesto se constituye en una casa de citas, casa de encuentros. Contactos. El registro textual del cuerpo sobre el papel. Los rasguños y las caricias, el grafito y la pintura, en una dialéctica negativa. No se soluciona nada. En constante tensión. La escritura del cuerpo. Y un cuerpo perverso. En negativo, no positivado como en la fotografía.
Recuerda a La Venus de las pieles, de Sacher-Masoch, que debe recubrir su desnudez “natural” de pieles de animales, su artificio, para ser el objeto último del deseo. Cuando Severin, por primera vez, la llama “Una Venus”, es la misma Wanda la que dice “¿Una Venus de las pieles? … Espere un momento, tengo un gran abrigo de piel, es enorme, y con él podría cubrirle a usted del todo, atraparle como si se tratara de una red”. Y cuando Severin la cuestiona sobre mostrar su belleza desnuda ella apostilla: “Desnuda desde luego que no. Pero sí envuelta en pieles.” Dentro del tokonoma de Cecilia Molano, la retícula de rectángulos lo confirma, quedamos atrapados en una red de pieles, entramos en el afuera del cuerpo, la forma deseada. Es, como dice Deleuze en su Presentación de Sacher-Masoch, un “no lenguaje”, lo que no es para leer y, sin embargo, no es silencio. En el autor de La Venus, al contrario que en Sade, hay cuerpo y erótica pero nada explícito. “Arte de sugestión […], gestos y sufrimientos en suspenso” dice Deleuze. Suspendidos, cogidos con alfileres, sobre la pared en el caso de las pieles de papel de Cecilia Molano (denegación y suspenso, según Deleuze refieren a fetichismo, pero esa ya es otra historia). Se nos ofrecen como la huella, la concavidad del cuerpo de la artista ausente (su tokonoma), una escritura no legible, dejada ahí, en el espacio público, ofrecida, expuesta, en sus rasguños y en sus caricias, en su frágil perversión, sin más.


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Llevar al huerto

May 22nd, 2011

“Engañar a alguno valiéndose de medios que juzgue que redundan en su utilidad o gusto”.
Las verduritas crecen en medio de su milagro cotidiano.

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Jurasic Park.


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Katrin kanten

May 10th, 2011

Meine liebe Katrin machte diese Handtuch für mich und Ich bin glücklich.

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Duelos literarios

May 3rd, 2011

“Un duelo es un tipo formal de combate, como se ha practicado desde el siglo XV hasta el XX en las sociedades occidentales. Puede ser definido como un combate consensuado entre dos caballeros, que utilizan armas mortales de acuerdo con reglas explícitas o implícitas que se respetan por el honor de los contendientes, acompañados por padrinos, quienes pueden a su vez luchar o no entre sí”.

Duelos literarios es un blog que nos pasea “del amor a la literatura”. Me gusta el recorrido propuesto por la autora que tira el guante sin dudar, intrépida amazona de las palabra, que a ratos las acaricia y a ratos las araña. Su blog es un recorrido por la literatura y la pasión. Su espada es tan afilada como su lengua y su temperamento templado pero nunca tibio.

Recomiendo especialmente los divertimentos, piezas delicadas de ingeniería lingüística y poemas irónicos de la bella Arancha.

mistress


Isabel Mellado en El País

May 2nd, 2011

Isabella Mellado, la Catherine Zeta Jones de las letras escarchadas, remojadas en salsa de soja y duermevela lúcida, autora de un libro precioso:
“El perro que comía silencios”, el libro del año y aquí un artículo sobre su autora.

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Graphic fetichism (III)

February 21st, 2011

Tiroleses y queso.

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Radio inteview at Radio 3: La Nube.

October 12th, 2010

Small interview about “Amor y heridas”

Amor y heridas (En La Nube)


This is a post dedicated to Marcelino Llano

September 9th, 2010

Marce tiene una curiosidad que se desborda así misma y se da la vuelta, una libreta y un montón de conocimientos por compartir. Este verano estuvo por Binissalem en los “Talleres en la Casa” y los que asistimos, tuvimos la oportunidad de aprender mucho sobre diseño, rejillas y HTML 5, pero también sobre cómo comunicar, como usar el color, percibir íntimamente la tipografía y sobre todo, que tumbler es para adolescentes! En su web marcelinollano.com podéis ver las cosas que hace, leer y conocer algo más sobre el.

Ésta es una fotuca del curso:

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Y éstas, del paquete que Marce nos envió. Gracias!!

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Graphic fetichism (II)

September 9th, 2010

I want to do something like this!!

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One of zombies.com

July 31st, 2010

I have been always afraid of zombies because zombies are the only creatures in between vampires, lycanthropes and so on… that forget to love and also forget their beloveds.
Scary isn’t it?!!!!
So it is weird I like a zombies game but I do!! I love the graphics and the plot:

«You are a thirteen years old girl; your name does not matter anymore. You are angry, you’ve lost everything. While other children dream with monsters, you saw them on your own room and you had to kill them Now, not any other person has what it supposes to have to go there and finish the job.
Of course you can use the firearm you took from the dead fingers of your father.»

That was Fernando Gullen’s introduction about the game he creates. If you want more info, you can listen the lighting talk he gave last year in Krakow here or just go and play:
oneofzombies.com

Good luck and Kill ‘Em All ¡!

Lightening Talk from Krakow Tech Conferences on Vimeo.


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The Kids Gallery

May 8th, 2010

A new project by Fernando Guillén a beautiful idea that tries to fill up a void in Internet: websites with children’s drawings: The Kid’s Art Gallery, you can check the website at: thekidsartgallery.com

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Draw by Ada. 1 year old artist.

In the creator’s words: “The Kids Art Gallery is a virtual gallery of paintings and drawings of children from around all countries and continents. A gallery that respects and assesses the artistic power that have the most creative creatures on the world. It also wants to be a place for appreciation and motivation for the children creativity”.

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Draw by Pau. 7 years old artist.

I like it! So… “If you have children, or any other young relative you will know that they produce a very big and uncontrollable amount of small pieces of art, the Kids Art Gallery can be a good way to keep them organized and to share them”.

…And also: if you still have those pieces that you draw when you were a child and that made you feel proud as the Van Gogh of your neighbourhood. Do not hesitate and send them! It is such a pleasure to see those beautiful drawings on line.

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Draw by me when I was a 7 years old artist. It’s seems I have been doing the same since then, amazing the similarities with the videowork: Desapariciones.